As ações são cozidas em um meio de filme de tecido macio de celulóide. Por que a câmera de cinema foi inventada? Veja como as coisas mudam. Não há nada mais comovente do que um grande filme de ação. Inferno, toda filmagem começa com alguém gritando “Mova-se!”
Mas o que torna os filmes de ação excelentes? O gênero já é muito subjetivo. Stephen E. de Souza, roteirista de muitos dos filmes reverenciados listados abaixo, não ouviu falar de filmes de ação sendo considerados um gênero separado até meados da década de 1980. Antes disso, estava espalhado por faroestes, filmes de guerra, filmes de artes marciais e programas policiais. Hoje em dia, os filmes de ação voltaram a ser novelas de super-heróis e todos os outros sucessos de bilheteria de efeitos especiais, e é difícil não encontrar filmes de ação no cinema local. Portanto, para definir a verdadeira grandeza, esta lista inclui uma pequena seleção de todos os itens acima.
Mas como “cozido” se compara a “O Senhor dos Anéis”? Existem maçãs e laranjas, e existem Jackie Chan e Arnold Schwarzenegger. Seria tolice procurar o maior filme de ação de maior autoridade e historicamente inquestionável de todos os tempos. Portanto, as 95 entradas a seguir estão listadas em ordem alfabética. Pense nisso como um curso básico de corrida, salto e queda. A única coisa realmente impressionante é que o filme oferece uma variedade de emoções, seja Tony Jaa fazendo flexões em um elefante ou Rudy Ray Moore tentando insultar. . É ação, embalagem.
A única maneira de torturar alguém como Action Jackson é amarrá-lo como Steve Reeves Hercules e usar um maçarico industrial nele. É claro que ele não desiste, mas isso lhe dá tempo para encontrar o material. A maneira como o diretor Craig Baxley e a estrela Weathers abordam o material é o motivo pelo qual Jackson, os homens e os filmes fazem parte do panteão da ação. Usando um lançador de granadas para encurralar seus captores de perto, Weathers deu a piada: “Como estão suas costelas?” como um veredicto em Haia. Em vez de mostrar qualquer carnificina física, Barksley desapareceu de fogo em fogo, tornando-se uma meia grelha fumegante.
“Action Jackson” foi o que outros heróis de ação dos anos 80 viram em vários corredores do shopping e aplaudiram enquanto os créditos rolavam. Cada cena é um novo artigo sobre o quão legal Jackson é. Ele é um selvagem com um distintivo, tanto em lenda quanto em tamanho. Certa vez, ele fez um criminoso desmaiar simplesmente dizendo: “Relaxe”. Momentos daqueles conversíveis do tamanho de uma bola de futebol ou vermelho cereja que não pertencem a ele são gastos apresentando Craig T. Nelson como o empresário mais malvado e artista marcial da indústria do mal e dos artistas marciais. Mas nenhum dos vilões do Blaxploitation antes dele pode se igualar à força orientadora de Action Jackson, aquele que empurrou Pontiac escada acima com a força do ódio.
Em um universo justo, haveria três sequências e reinicializações nesta lista. Carl Weathers merece mais, mas é difícil imaginar melhor.
“Quando vi a primeira leva de Akira, pensei que seria um fracasso”, disse o criador e diretor Katsuhiro Otomo à Forbes. “Saí rapidamente do cinema e voltei para casa para contar à minha esposa que o filme foi um fracasso.” Esta é uma fraca homenagem a uma das histórias de ficção científica mais influentes de todos os tempos.
O líder da gangue Shotaro Kaneda, dublado por Mitsuo Iwata, lidera uma presença brutal, embora simples, nas sombras biliosas de Nova Tóquio. Ele depende da jukebox, corre com gangues rivais de motociclistas e sai com seu melhor amigo de infância, Tetsuo Shima (dublado por Nozomi Sasaki). No entanto, tudo mudou, e quando Tetsuo bateu com sua bicicleta em uma criança que passava, ele saiu completamente ileso da explosão que se seguiu. Não demorou muito para que o casal estivesse mergulhado até os joelhos na cobertura do governo, incluindo telecinesia, enterro de restos mortais e horror corporal crescente. Mas desenvolver o enredo de Akira é uma perda de tempo e de papel – é impossível apreciá-lo sem ver cada uma das suas 160.000 células em movimento impossível.
A fumaça das gavinhas, sencientes e investigadoras, acompanhava cada explosão. Do alto, o trânsito em Cape Mors perturba os edifícios de néon. Os faróis e o laser dispararam no mesmo tom de laranja enquanto passavam na mesma velocidade. A ação foi tão acelerada que quando Kaneda derrapou com sua motocicleta, Otomo e companhia registraram acidentalmente seu movimento como a derrapagem do Akira. Embora isso seja tão eficaz como sempre para anime, ficção científica japonesa e anime maduro em geral, nada supera o pesadelo ultra-elegante de Akira.
James Cameron começou a trabalhar no roteiro dos filmes “Alien” e “Rambo: First Blood” no mesmo dia. O que une estes dois projetos, mais do que qualquer equipamento militar ou fábula vietnamita, é a capacidade única de Cameron de criar a melhor sequência: em caso de dúvida, aja rapidamente.
Devido a problemas com xenomorfos, a carregadora de carga Ellen Ripley tem TEPT e sua capacidade de dirigir é oficialmente investigada. Agora uma especialista recém-saída de sua dor, ela oferece a missão de acompanhar alguns fuzileiros navais espaciais em uma possível caça a insetos. Mas a redenção e o emprego são menos importantes para ela do que a vingança fria e de qualidade. Nem Ripley nem a galeria Meathead Peanuts suspeitavam que fosse ela quem iria jogar fora a maior parte.
Demorou algum tempo para Cameron convencer Weaver de que ela não interpretaria Rambo no espaço. Sua vingança contra Ellen Ripley, conforme ela atuou no final, pertence ao panteão das heroínas de ação. Embora ela ainda estivesse travando uma guerra um contra um com seu rifle de assalto e seu lança-chamas, havia risco em sua respiração irregular. Ela destruiria esses monstros ou morreria, e sabia exatamente onde estavam as oportunidades. Em uma entrevista de 2017 para a Entertainment Weekly, Weaver detalhou o papel em seu ambiente clínico: “Ripley não tem tempo para tentar ser empática, sabe?” Em Alien, ela tem tudo de cabeça para baixo. Em Alien, ela cresce exponencialmente em profundidade, mas ainda corre para o centro da escuridão para salvar uma criança perdida. Ela não é durona, apenas calejada, o que torna ainda mais emocionante vê-la trancada, carregada e gritando.
Bad Boys foi um blockbuster de Jerry Bruckheimer e Don Simpson quando o superprodutor estava em sua classe. Todas as estrelas do filme têm rostos de TV e foram rápidas em substituir Dana Carvey e Jon Lovitz. O maior projeto do diretor até o momento é o “Tem leite?” campanha.
Por outro lado, Bad Boys 2 não é apenas um filme de Michael Bay. Em muitos aspectos, este é um filme de Michael Bay. Em resposta às críticas de Bay à reputação do Titanic como Pearl Harbor, Bay fez uma afirmação de US$ 130 milhões que permanece até hoje: ele exterminaria pessoas em troca de um orçamento grande o suficiente para o incendiário.
“Todos merecem respeito”, disse Martin Lawrence. Esta é uma piada da qual Bey nunca para de rir. Cadáveres frescos saltam como barris em Donkey Kong durante uma perseguição de carro. As falas únicas sobre a sexualidade dos ratos valeram a pena com demonstrações animadas. A piada sincera é repleta de medo gay e transmitida na Best Buy para que os compradores possam zombar dos sentimentos humanos reais. A perseguição às favelas em Police Story foi reencenada e revivida com muitos danos colaterais. Momentos depois de matar um suspeito sob as rodas do metrô de Miami-Dade, Lawrence desafiou os deuses novamente: “Esta deve ser a pior e mais emocionante semana policial da minha vida”. uma facção de agentes do governo invadiu Cuba para resgatar sua irmã.
Bad Boys 2 foi a pior e mais emocionante semana policial do celulóide. Inacreditável se você aguentar.
A diferença entre o poliziotteschi, a marca italiana do crime europeu na década de 1970, e a classe processual americana Dirty Harry que a influenciou, reside no primeiro grande trabalho policial do superpolicial Fabio Testi. Depois de ver como uma terrível gangue de bandidos os ataca, chantageia e intimida em Roma, ele os segue para uma teleconferência. Em vez de partir com respostas frias e armas brancas, Testi foi encurralado. O membro da gangue atingiu todas as superfícies que pôde e capotou seu carro não identificado de um penhasco. Lá dentro, as duas câmeras continuam girando enquanto Testi vira de cabeça para baixo, tentando manter os cacos de vidro longe de seu lindo rosto.
Nos poliziotteschi, a violência é implacável e intransigente, sem mencionar que muitas vezes é perigosa tanto por dentro como por fora. Mesmo os superpoliciais não estão seguros. Caso contrário, diga-lhes por que são tão obrigados a fazer justiça com as próprias mãos? Em The Big Racket, não há alternativa para o xerife senão a justiça. Quando Testi se depara com corrupção departamental, ele arruma sua jaqueta de camurça e Marlboro Reds e se torna freelancer, armando todos os moradores afetados que encontrar. A guerra resultante é a mais brutal do subgênero, mas o diretor Ezno J. Castellari nunca a torna satisfatória. Até o triunfante Testi termina o filme sem nada. Embora a polpa fascista do crime italiano possa ser um gosto adquirido hoje em dia, o Big Rack continua sendo um dos coquetéis de fogo mais suaves.
Da sagrada trindade de Hong Kong composta por Tsui Hark, Wu Yousen e Ling Ge, Graham é o mais difícil de classificar. Seus melhores filmes incluem comédia de época (Peking Opera Blues), épico de artes marciais (Once Upon a Time) e balé de bala (Tomorrow Will Be Better). Todos eles são excelentes, mas nenhum deles é definitivo. Porém, para melhor representar o alcance, nada supera Blade's Edge.
Para atualizar o Espadachim de Um Braço formativo de Zhang Che, Xu trabalhou sem roteiro e mascarou as diferenças com brutalidade absoluta. Para vingar o pai, o ferreiro Zhao Wensen perdeu o braço direito, o que o tornou um assassino de órfãos. Em vez de jurar vingança, largou tudo e fugiu. Por esse pecado, algum ladrão aleatório invadiu sua casa, pendurou-a de cabeça para baixo e ateou fogo. Naquela época, além da raiva de seu pai e da espada quebrada, Zhao Cai começou a treinar para igualar o placar. A crueldade é a regra, e se alguém esquecer, os cadáveres nus pendurados na rua o lembrarão.
No Inferno Xu a violência é subjetiva. Não foi a espada deslumbrante que os matou, mas os rostos de olhos brancos desfigurados pela raiva atrás deles. Cada batalha é outra montagem marcante construída em torno do ataque do moinho de vento de Zhao Wudi. A câmera acompanha a desgraça borrada de seu rival. Se tiverem sorte, eles desviarão uma vez. Em seguida, um giro, um empurrão para frente, um lampejo de aço, sangue manchando a tela shoji próxima. Espadachins de uma mão são tão bons. Xu Irã.
Os representantes de Wesley Snipes disseram-lhe para não fazer Blades. A oferta chegou com um baque na calmaria superpoderosa entre “Batman & Robin” e “X-Men”. A oferta chegou com um baque na calmaria superpoderosa entre “Batman & Robin” e “X-Men”. A proposta caiu com um baque na calmaria superforte entre Batman & Robin e os X-Men. A proposta ruiu na superpausa entre Batman & Robin e X-Men.Em uma entrevista de 2017 com Tom Power, Snipes reiterou sua lógica infalível sobre aceitar um emprego de qualquer maneira: “Porque nunca vi um vampiro negro praticando caratê antes!”
O primeiro Blade tinha seus encantos, o principal deles era a infame farra sangrenta, mas o Blade II acabou pagando esse cheque integralmente. Os matadores de meio-vampiros são subitamente mais problemáticos do que os vampiros clássicos. Uma nova variedade entrou nas ruas, fazendo parte visualmente dos Nosferatu. Eles têm bocas “predatórias”, desejos por humanos e vampiros, e sua estrutura esquelética os faz sonhar acordados. Mesmo quando são atingidos por espadas, eles simplesmente fogem com barrigas desencarnadas. A única maneira de derrotá-los? Isso mesmo: mais caratê.
O diretor Guillermo del Toro, que acabara de lançar The Devil's Backbone, fez sua fabulosa abominação gritar sobre si mesmo e fez Blade 2 parecer um filme de luta sangrento. Interpretado por Snipes, faixa preta em diversas artes marciais. Esta é uma estrela de cinema no auge do poder e orgulhosa disso. Cada linha, cada linha vertical, cada foto cega de seu lendário Oakley é a combinação perfeita de ator e personagem, uma das melhores fotos já tiradas. Filmes de super-heróis não melhoram.
The Blues Brothers foi baseado em uma paródia do Saturday Night Live sobre Dan Aykroyd e John Belushi em fantasias de abelha. Quando eles abandonam os distintivos e se transformam em shows de verdade com um bando de músicos matadores atrás deles, eles nem deixam espaço para piadas. Aqui estão dois dos artistas burlescos mais populares da América que exibiram sua versão blues do Garage Band em rede nacional.
De alguma forma, aquela trilha sonora dupla de platina se transformou em uma Odisséia de duas horas, um dos filmes mais difíceis de categorizar, seja ele qual for. comédia? Música? Perseguição de imagens? E nem todas as opções acima. Esse frenesi misto é o resultado do roteirista novato Aykroyd entregar um roteiro do tamanho de uma lista telefônica que captura cada detalhe da banda e os poderes mágicos de seu nobre e sem nome corcel, o Bluesmobile. O diretor John Landis, o maestro caótico da Animal House, transforma a enciclopédia de sua estrela na essência de suas associações livres.
As coreografias em si podem ser emocionantes – confira a performance de Aykroyd no Sweet Home Chicago – mas o derby de demolição é na verdade um recorde. Havia 104 carros dublês envolvidos no processo de produção, então foi necessária uma oficina de reparos de 24 horas para não fazer nada. Landis e sua Crazy Band solicitaram uma licença especial para percorrer algumas das ruas mais movimentadas de Windy City a 160 quilômetros por hora. Sem contar um shopping fechado recriado com o propósito expresso de demolição. Entre a trilha sonora de fundo, o caos sobre quatro rodas e a sensação de que as molas poderiam quebrar a qualquer momento, The Bruce Brothers foi como se fossem duas horas na feira municipal mais perigosa do país. Poucos lutadores podem se orgulhar do mesmo.
“Normalmente, ação é algo que acontece sem motivo”, disse o diretor Doug Liman à Variety. “No caso de Bourne, ele se conhece nas cenas de luta.” Em sua primeira fotografia de estúdio, Identificação, Liman também se reconhece em cenas de ação. Seu estilo associativo livre torna os gráficos redundantes e os produtores vermelhos brilhantes. Esse conflito se tornaria uma espécie de marca registrada, carinhosamente conhecida como “Limania”. Mas a sua obra e tudo o que a reproduz falam por si.
Matt Damon, de 32 anos, parece pelo menos 5 anos mais jovem, luta e corre como um louco. Habilidades perdidas devido a um ataque de amnésia retornam na forma de uma reação de pânico. Vire os cotovelos. Dirija um Mini Cooper no trânsito em sentido contrário. Leve a caneta Bic para o esfaqueamento. Usando o cadáver como airbag, caiu quatro andares mais ou menos ileso. As sequências são fatiadas e montadas para caber, sacrificando a sensação geográfica de urgência da adrenalina. Lyman presta menos atenção aos socos do que às mãos emaranhadas em busca de um alvo.
Alguns podem argumentar que Paul Greenglass aperfeiçoou o estilo da sequência balançando a câmera a ponto de causar enjôo, mas o DNA era inteiramente de Lehmann. O maior elogio da Bourne Identity vem da competição. Quando James Bond precisou de um modelo no mundo pós-11 de setembro, ele aprendeu algumas lições com Jason Bourne. “Casino Royale” poderia ter saído vencedor, mas sem “A Identidade Bourne” não haveria “Casino Royale”.
Apresentando “City of Violence” para Twitch Film, o escritor, diretor, produtor e estrela Ryu Seung Wan descreve isso como “escolher personagens dos filmes de John Woo ou Jang Chul, [colocando-os] na mesma posição de Roman Polanski”. cinema e o desenvolvimento da ação no estilo de Jackie neste mundo. Para os cineastas, depois de ver o filme, faz sentido.
Quatro amigos de infância distantes se reencontram devido à morte incomum de seu quinto filho. Três tornam-se respeitáveis – policial, professor de matemática, agiota – e o quarto torna-se obscuro e se torna padrinho de Seul. Por um tempo, foi um drama perturbador sobre um caminho não trilhado. Seung Wan então relembra os bons e velhos tempos, quando os cinco brigaram com outras gangues maiores de adolescentes em uma briga e acabaram enterrados no pescoço quando foram inevitavelmente derrotados. Como agiotas e policiais, Seung Wan e o coordenador de dublês Jeon Doo Hong assumem a dura tarefa de investigar o assassinato do Quinto Homem e, talvez, apenas talvez, usem os nós dos dedos para sentir nostalgia.
Mas um filme chamado “Cidade da Violência” não entrou na lista por motivos de enredo. Imagine Dou Hong caminhando sozinho à noite, passando por um grupo de dançarinos de break. O verme o desafiou silenciosamente. Como resultado, a luta de rua consiste em esquivas, rolagens e reajuste de postura. Du Hong fugiu assim que conseguiu romper as defesas do pino, mas não foi muito longe. Quase imediatamente, ele foi cercado por outras três gangues temáticas: jogadores de hóquei, estudantes e jogadores de beisebol. A guerra que se seguiu – não há outras palavras para descrevê-la – foi um espetáculo impressionante de movimento físico. Dou Hong o girou como um pião, e o impulso funcionou não para a elegância de Chen, mas para a selvageria de um peito afundado. Não é nem a maior, melhor ou pior luta da cidade.
O diretor Renny Harlin não achava que as Montanhas Rochosas fossem fortes o suficiente para rivalizar com as Montanhas Rochosas, então transferiu a maior parte da produção para as Dolomitas, no norte da Itália. Quer seja ou não a solução mais prática, é definitivamente a solução ao estilo Harlem para obter melhores músculos e tamanhos incríveis. Seu Die Hard 2 está exposto a perigos estranhos por causa de um herói humano. Ele precisa do super-homem.
Quando começaram as filmagens, Sylvester Stallone tinha medo de altura. Mas na maior parte, é ele, Rocky e Rambo, pendurados a 4.300 metros de altura, tremendo na neve alpina em camisetas. O roteiro é falho – a abertura em que os bíceps musculosos de Stallone não conseguem resistir à força da gravidade é dolorosa como sempre – mas também está presente em cada close-up doloroso. A diferença entre Schwarzenegger e Sly no auge era a dor; enquanto o primeiro era mais ou menos invencível, o segundo foi ferido. Na melhor das hipóteses, The Rock é o retorno de Stallone às suas raízes de “primeiro sangue” depois que a sequência de Rambo transformou o personagem em um pôster do recrutamento do Exército dos EUA.
Entre Schwarzenegger e Stallone, Sly teve a melhor bilheteria em 1993, este filme e O Destruidor foram mais bonitos que O Último Herói de Ação, mas a campainha tocou entre os dois homens musculosos. Stallone não teve mais sucesso no ramo de filmagens até Os Mercenários aposentarem os modelos antigos. As tentativas do Harlem de retratar Geena Davis como a primeira heroína de ação dos anos 90 – o status que ela merecia depois de O Beijo Longo – fracassaram. No mínimo, “The Cliff” continua sendo uma das últimas grandes explosões simuladas do gênero.
“Foi fácil para ele, porque ele realmente não acreditava que isso iria acontecer”, disse Pam Greer, uma enfermeira que se tornou vigilante, ao Revendedor nº 2. Segundos depois, um buraco foi feito na cabeça do nº 1 pelo Ministério. para você, porque é melhor você acreditar que isso vai acontecer.” Em poucas palavras, esse é o charme de Greer: é impossível sentir falta dela, mas se você subestimá-la, faça-o por sua própria conta e risco.
Em seu primeiro show solo, Greer assumiu todo o comércio de heroína. Ela se usa como isca e armadilha, atrai suas presas com seu corpo amazônico e as congela com a frase de um milhão de dólares: “Você voará através de suas portas peroladas com o maior sorriso que São Pedro já viu!” ela tinha em mãos: uma espingarda, uma seringa, uma lâmina de barbear escondida no cabelo. O diretor Jack Hill certamente coloca a exploração em Blaxploitation - não apenas Coffey tem um pouco de pele, mas parte de sua brutalidade, como linchamentos de carros, ofende o gosto vulgar - mas o filme não perdeu seu lugar nas décadas desde seu lançamento. .
Greer colaborou com Hill em um roteiro que apresentava sua própria mãe. Seu dublê, Jedi David, foi a primeira mulher negra na indústria cinematográfica. Nas circunstâncias modernas, Pam Grier tornou-se uma típica heroína de ação, negra ou não, quem sabe: “Eu crio um mercado para filmes sobre mulheres que resistem e usam o sexo”, disse ela ao The New York Times. E tudo começou com sua abordagem dupla na Coffey.
Em Stay Hungry, Arnold é uma revelação. Em Pumping Iron, Arnold é novo. Em Conan e The Terminator, ele é um artifício insubstituível. Seu conteúdo em “Commando” está impresso no pôster: “Schwarzenegger” está anexado ao título.
Se houvesse alguma dúvida de que as maiores estrelas de ação da década haviam chegado, elas foram dissipadas pelos créditos iniciais. O carvalho austríaco segura uma motosserra em uma mão e um carvalho comum na outra. De acordo com a Empire, o diretor Mark Crist prometeu enquanto assistia ao jogo: “Precisamos ter um pau maior do que Rambo para melhor explicar e perdoar o que vem a seguir”.
Sem provocação, John Matrix é um ursinho de pelúcia com calça de couro. Até o cervo adora. Porém, ao sequestrar sua filha, ele se transformou em uma praga humana. A única vez que ele parou de se mover foi quando toda a equipe de mercenários o jogou no chão e o colocou para dormir como um rinoceronte em fuga. Mas isso é apenas um obstáculo para os super-heróis. A Matrix saltou do avião no meio do vôo e atrasou uma cabine telefônica enquanto falava. Alguns milissegundos depois de o conversível bater em um poste de luz, ele perguntou ao passageiro Ray Dong Chong se ele estava bem, respondeu e saiu para pendurar o vilão em uma pedra. O final é um dedo médio de dez minutos para “First Blood: Part II”, uma guerra de um homem só travada na costa da Califórnia enquanto o ditador sul-americano Dan Hedaye tenta chantagear a máquina errada de violência em movimento perpétuo.
Sem segundos perdidos, fogos de artifício ou autópsias satíricas, Commando é o ideal platônico da ação dos anos 80 e da chegada do astro de cinema Arnold Schwarzenegger.
Alguns atores são feitos para papéis únicos na vida. Por outro lado, Arnold Schwarzenegger é bom demais para interpretar Conan. O diretor e roteirista John Milius não queria um fisiculturista, ele queria um selvagem. Ele teimosamente acredita que o protagonista pouco convencional perderá peso, venderá seu diálogo machucado, se tornará seu Conan e transformará um idiota malvado em uma ópera wagneriana.
Schwarzenegger não é o selvagem eloquente das intermináveis brochuras de Robert Howard. No entanto, ele é o corpo retratado por Frank Frazetta em muitas capas. Até mesmo pedir ao seu deus uma vingança sangrenta seria demais para Conan. “Não posso fazer nada a respeito”, disse ele. Seu sotaque austríaco fazia com que algumas de suas palavras soassem cruéis e desconhecidas, como se ele nunca tivesse falado antes de um mundo que não precisava falar. Ele vagueia por um deserto místico em busca de sexo, tesouros e vingança – a única língua que ele realmente fala.
No entanto, quando Schwarzenegger brandiu a espada da Atlântida, seu físico impossível desapareceu. Pouco antes de a lâmina ficar manchada de sangue, eram apenas dois olhos brancos raivosos, uma criança que pisou em um formigueiro por bloquear o caminho. Nenhuma quantidade de pintura de guerra poderia esconder a suavidade de seu rosto. Este selvagem está em um estágio de desenvolvimento onde é preso, um inocente é torturado e recompensado por ser uma máquina de matar hedonista, e Milius acredita que ele é a única pessoa viva que pode carregar essa agulha em seu corpo. Arnold Schwarzenegger pode não ter se tornado Conan, pelo menos pelos padrões literários, mas em seu estilo olímpico ele fez mais: fez Conan Arnold Schwarzenegger.
Magic, a estreia na direção de Mark Neveldine e Brian Taylor, termina com o personagem de Jason Statham caindo de 6.500 pés e pousando em um Jaguar XJ6. No entanto, a Lionsgate pediu-lhes que fizessem uma sequência. O casal viu isso como um desafio bem pensado e escreveu outro. Até hoje, eles não acreditam que o estúdio realmente tenha lido o roteiro.
Assistir a qualquer cena específica em Crank: High Voltage confirmou suas suspeitas. De acordo com Neveldine e Taylor, este é Evil Dead 2 do Evil Dead original. É parte remake, parte pervertido, parte formalidade. Em vez de um suprimento constante de adrenalina para manter seu coração batendo forte, Statham precisa de descargas regulares para manter sua alternativa no mercado negro funcionando. As bebidas energéticas não vão ajudar mais. Desta vez, ele precisa, digamos, usar o raio da subestação, jogar a escala Godzilla e jogar seu inimigo no armazém em miniatura mais próximo. Tudo o que é velho se torna novo novamente, mas ainda mais desagradável, o sexo em público com a namorada Amy Smart se transforma em uma maratona acrobática de corridas de cavalos. Statham, o descendente ungido do ícone de ação dos anos 80, provou ser mais brincalhão do que o resto da turma. Nenhum outro ator gritou tanto com um passeador de cães para continuar eletrocutando sua coleira ou parecer tão estúpido sem esses efeitos.
Crank: High Pressure continua sendo a referência para ação brega, o trabalho incrível de dois artistas malucos que levam as câmeras profissionais a novos patamares e novos mínimos. Desde então, surgiram rumores de um terceiro Freak (que poderia ser filmado em 3D, como Statham disse ao Movies.ie), mas o mundo pode não estar pronto para isso. Ele ainda não está pronto para “alta pressão”.
O diretor Ang Lee disse em entrevista à Entertainment Weekly: "Este é um filme de artes marciais, depois de alguns meses trabalhando nele, percebi que era realmente musical." tchau. Lógica, vá para a terra da fantasia infantil.” Hu Wan sonha em fazer seu próprio filme de artes marciais desde que viu um samurai travando um duelo acrobático em uma floresta de bambu em seu One Zen. Quando Lee finalmente tiver a chance, ele quer que seus guerreiros lutem naquelas árvores.
Horário da postagem: 27 de outubro de 2022